Escultura, Arte y Música

Escultura, Arte y Música



miércoles, 30 de mayo de 2012

Viajes I

Viajar es una de las actividades que el ser humano tiene la oportunidad de hacer constantemente.
Las circunstancias de cada uno te dan la posibilidad de hacerlo de una u otra manera, siendo el viaje físico lo más gratificante.
Desplazarse de un lugar a otro lo puedes hacer sentado tranquilamente en el sofá, bien leyendo novelas, libros de historia, o viendo un documental o una película. Actualmente tenemos en nuestras manos el mejor vehículo para viajar, como es internet.
A mi, particularmente me gusta viajar con un libro de arte entre mis manos. No tengo preferencias a la hora de elegir un destino, depende del día, del momento y sobre todo de mi estado de ánimo.
Con estos libros te desplazas a otras épocas y conoces cómo vivían en diferentes sociedades, sus costumbres e inquietudes.
No es necesario levantarte del sillón ni hacer las maletas, el arte te revela todos los secretos de la historia, y en el mismo lugar donde has viajado con anterioridad descubres nuevas sensaciones.
Un mismo paisaje lo observas con diferentes colores, las gentes te invitan a entrar en sus casas y regresas a la tuya cuando cae el sol. Yo me quedo con la luz de Sorolla y con los interiores de Vermeer, con los atardeceres de Turner y las noches de Van Gogh.
Continúo el viaje junto a los burgueses de Calais y los delgados ciudadanos de Giacometti, retrocedo miles de años para conocer a Nefertari, ella me presenta a su pueblo y me siento pequeño. 
Me miro en un espejo pintado por Van Eyck y vuelvo a la realidad.
No sé por qué razón me encuentro en los alrededores de París desayunando con Renoir y unos remeros. Marcho de allí, y cuando Delacroix me explica una revolución, decido ir a ver a un tal Toulouse para que me enseñe la noche más canalla.
Al día siguiente me viene a buscar Velázquez, y me lleva a comer a un sitio donde hay una mujer friendo huevos. Están un poco faltos de sal y lo que tengo a mano es un salero de marfil, oro y esmalte, que puso ahí un señor que se llamaba Benvenuto Cellini.
Con el estomago lleno continuo el viaje, e inesperadamente me encuentro con la catedral de Ruan. Cada vez que la miro veo una iluminación nueva, y es Monet, quien me explica que la pintó en más de cuarenta ocasiones. Me despido de él y al cabo de un rato le doy los buenos días al señor Courbet.
Vuelvo al futuro con Boccioni y comparto con él todas las vanguardias y una nueva forma de pensar.
Me cruzo con un hombre al que le gustaría llegar a dibujar como a esos muchachos que están jugando a los dados retratados por Murillo. Y como estos niños, sueño con volar en esos aparatos creados por aquel cascarrabias llamado Leonardo. Desde el cielo contemplo unas islas rodeadas con unas telas de color rosado, también veo multitud de sombrillas colocadas estratégicamente y edificios envueltos, todo un espectáculo.
Me percato, que a mano izquierda, en unas montañas, hay una pareja sobre las cabezas de unos presidentes, están huyendo de unos hombres. Al final los buenos se salvan, aunque no siempre pase así.
Creo en Dios cuando contemplo la capilla Sixtina y dejo de creer cuando veo el Guernica o los fusilamientos en la montaña de Príncipe Pio.
Junto a una barandilla veo a Munch, atormentado y lanzando un grito de desesperación. Agotado, observo en la lejanía un montón de paja y decido echarme una siesta junto a una campesina. Sueño con unos relojes blandos y unos tigres que se abalanzan sobre mí. Me levanto sobresaltado y huyo del lugar lo más rápido que puedo.
Cierro mis libros esperando nuevos viajes y experiencias que me ayuden a mejorar como ser humano...

viernes, 25 de mayo de 2012

Somewhere Over The Rainbow I

El mundo está lleno de pequeñas alegrías: el arte consiste en saber distinguirlas.
                                                                          
                                                            Li Tai-Po

Desde que arrancamos por la mañana, con los ojos medio cerrados y con el rostro marcado por esas arrugas de la almohada, un mundo maravilloso nos espera.
Un gran escenario y esas pequeñas cosas a las que nos les damos importancia, o simplemente no nos percatamos que existen, esperan ante nosotros.
En más de una ocasión seguirán ocultas ante nuestra mirada, pero están ahí, simplemente tenemos que aprender a ver.
Todo lo que nos rodea contiene algo inspirador, algo, que sabiendo plasmarlo lo podemos convertir en una obra de arte, aunque no todo el mundo tenga esa capacidad de observación, al igual que no todas las personas tienen aptitudes para ser matemáticos o futbolistas...

Un cielo azul manchado por las nubes, una mirada cruzada o un gesto pueden ser el comienzo de una buena pintura. Esta podrá ser de diferentes maneras, dependiendo de la personalidad de quien la realiza, pero su base ha sido similar.
Un conjunto de edificios, arropados por un determinado ambiente se transforman en una escultura, o por qué no, en un maravilloso grabado.
Esa visión de aquella imagen que tantas veces hemos visto en postales o guías turísticas sufre una metamorfosis en el objetivo de un fotógrafo. Un punto de vista diferente.
Un detalle o una forma casual provocada por la naturaleza se convierten en poesía.
Así es, el arte es más sencillo de lo que aparentemente parece: Todo lo que vemos plasmado en una escultura, un lienzo, una fotografía o en un grabado ya lo hemos visto, lo que sucede es que no nos hemos parado a observar.
Observando y teniendo sobre todo la mente abierta, el arte contemporáneo resulta más asequible al receptor.

Un objeto cotidiano lo podemos descontextualizar y darle un nuevo significado al materializarlo en una obra.
Esto no es nuevo, y se ha hecho desde hace siglos. Un jarrón realizado para albergar un líquido o un cuenco ha pasado de ser un objeto utilitario para formar parte de la decoración de una casa, estos se han decorado, adquiriendo así más valor.
El origen de una planta o una flor no es el domicilio de uno, es el entorno natural, pero las usamos para formar parte de nuestras vidas urbanitas.
No nos sorprendamos tanto, si nuestras casas son decoradas con envases de determinados productos, el arte también ha sacado de contexto el paisaje natural y urbano, y no debería ser necesario tener que dar tantas explicaciones.
Y como se dice habitualmente, una imagen vale más que mil palabras, y con esto es con lo que nos debemos quedar.





domingo, 20 de mayo de 2012

¿Estamos educados para la escultura?

No es la primera vez que me planteo la misma pregunta y probablemente no sea la última, y no es la primera vez que las respuestas que recibo no me convencen.
Llevo más de veinte años dedicándome a la escultura, una de las consideradas artes mayores junto con la pintura y la arquitectura, y aún no logro entender por qué este arte mayor no goza del estatus de las otras artes mayores.
Históricamente ha habido más pintores que escultores, quizás porque el realizar escultura conlleva una infraestructura más compleja. Un pintor puede realizar su trabajo en diferentes lugares sin necesidad de disponer de un espacio acondicionado como puede ser el taller de un escultor.
Que haya un número menor de escultores, (según el buscador de Google “PINTORES”4.810.000 resultados, frente a los 796.000 resultados de  “ESCULTORES””números no reales”) considero que no es razón suficiente para que la labor de estos esté menos valorada. ¿O es que estamos hablando de un arte más exclusivo?
Me pueden decir que no es así, que es cuestión de espacio, y que a la escultura se la valora igual que a la pintura. Pero, si fuera así, ¿cómo es posible que en las exposiciones de artes plásticas haya menos escultura? ¿Por qué hay muchas más galerías de arte que se dedican a exponer pintura en lugar de escultura? ¿Por qué hay menos concursos de escultura? Esa falta de demanda de escultura, ¿a qué se debe? ¿Realmente, estamos educados para la escultura?
Yo creo que todo es cúmulo de circunstancias provocadas por la educación recibida, los críticos, las galerías, las instituciones, y por qué no decirlo, por nosotros mismos, los escultores.
He podido comprobar, como compañeros escultores dejan su actividad tridimensional para pasarse a la bidimensionalidad de la pintura, por razones meramente comerciales, pues descubren que es más fácil llegar al público.
¿No es triste?
Desconozco cual sería la solución, pero si todos pusiésemos un poco de nuestra parte, ayudaríamos a una mayor y mejor difusión de un “Arte mayor”, como es la escultura.

David de Miguel Ángel

lunes, 14 de mayo de 2012

Nuestras referencias

El arte actual es la consecuencia de diversos factores que se han desarrollado a lo largo de la historia.
Os habéis parado a pensar por un momento, ¿qué arte tendríamos ahora, si no hubiesen nacido algunos artistas?
Si echamos la vista atrás tan solo cien años, comprobamos la cantidad de tendencias  artísticas del siglo XX.
En concreto, la escultura evolucionó sorprendentemente hasta mediados de siglo. Si  observamos y analizamos la escultura posterior, comprobaremos, que siempre aparece algún escultor que ya había realizado algo similar.
Rodin y numerosos artistas de finales del XIX y comienzos del XX, como Matisse, fueron precursores de lo que se avecinaba.
La influencia de Picasso, sobre escultores coetáneos y posteriores fue absoluta. Picasso, para el gran público era pintor, pero hay que tener en cuenta que desarrolló varias disciplinas, como el grabado o la cerámica, y como escultor, creó una manera de concebir el volumen desconocida hasta el momento.
Artistas como Archipenko, Boccioni, Tatlin, Rodchenko, Brancusi, Naum Gabo, Pevsner, Giacometti, Lipchitz y otros, crearon, lo que podríamos considerar, las bases de la escultura moderna.
De gran importancia fueron también escultores como Henry Moore o Barbara Hepworth.
Todos escultores los citados con anterioridad, de alguna u otra manera influyeron en la obra de otros grandes, como los escultores vascos. Estos últimos influyeron sobre generaciones posteriores, y así sucesivamente.

No hay nada nuevo frente a nosotros, es simplemente, desarrollo, evolución y concebir la obra de uno intentando dar su punto de vista personal.

Con la música  pasa algo parecido. No entenderíamos, ni se hubiese desarrollado la música de hoy sin nombres como Robert Johnson, Les Paul o John Lee Hooker, que influyeron sobre Elvis Presley, The Beatles, The Rolling Stones, y que a su vez contribuyeron en toda la música que se hace en la actualidad.
Ambas cosas, la música y la escultura (modernas) en la primera mitad del siglo XX, ya eran mayores de edad y su base estaba formada, solo quedaba que las generaciones futuras supieran continuar la labor de sus mayores.

Lo que no sabemos, es como seria todo si determinadas personas no hubieran nacido, si  se hubiesen dedicado a otra cosa, o simplemente que su obra no se hubiera conocido.



John Lee Hooker


Vladimir Tatlin 1917


jueves, 10 de mayo de 2012

¿Crisis?

¡Crisis!... ¿Y en el arte?
Crisis económica y de valores.
El arte ha estado condicionado en numerosas ocasiones por circunstancias de la época en la que le ha tocado vivir y los episodios más difíciles de nuestra historia han colaborado en la aparición de nuevas tendencias artísticas.

El artista ha intentado superar siempre las dificultades y ha plasmado su propia visión de la realidad. Es el mejor periodista de su tiempo, reflejando en el soporte sobre el que trabaja lo que no se puede expresar con palabras.
Con la crisis económica, un buen artista no debe frenar su propia evolución, siendo estas, las que tiene que aprovechar para sacar jugo a su creación.
Un verdadero artista se crece ante las dificultades, si de verdad lleva en las venas la pasión por el arte.
Una de sus cualidades es su capacidad de imaginación y de ideas, y una crisis económica no puede hacerle retroceder. Aunque baje su producción, esas ideas tienen que quedar reflejadas de alguna manera, bien mediante escritos, apuntes o bocetos.

¡Si!, es complicado seguir realizando un trabajo que no te reporta lo suficiente para vivir, pero entonces, ¿un artista se debe exclusivamente al dinero?
¡No!
Un artista se debe a su obra, y tiene que ser coherente con su evolución. Esta, según las circunstancias puede variar, pero siempre dentro de unos límites. Lo peor que le puede pasar a un artista es prostituir su producción y venderse al mejor postor.

La obra de un artista sale de sus entrañas y su cuerpo es una mera herramienta que trabaja a las órdenes del cerebro, y es este el que gracias a la formación y experiencia desarrolla una idea.
La idea es del artista y su representación, cuando sale del estudio o taller pertenece a quien la contempla, adquiriendo así numerosas interpretaciones de la misma.

El arte no está en crisis, o no debería estarlo, pues la crisis económica está en los que realizan las obras, los que la comercializan, y sobre todo  los que la compran.
El artista sigue creando, siendo este el mejor momento para acudir a las galerías de arte donde exponen sus obras más sinceras y puras.

Existen dos tipos de artistas, los que siguen fieles a su trayectoria y los que, dependiendo de las circunstancias que le rodean van variando constantemente su forma de trabajar, y es este último aspecto el que puede llevar al arte a una verdadera crisis.

Ya vendrán tiempos mejores en los que el trabajo de los artistas sea valorado de verdad, y cuando “la ley del todo vale” desaparezca.

viernes, 4 de mayo de 2012

MAGIA Y ARTE

 Llegará el momento – como también ya llegó en que el Maestro esté solo ante Su Creación. Y en esa Elevada Altura que Alcanzó, nuevamente esté solo como cuando empezó.
Y Eso le exigirá más Magia y Maestría, para continuar su Obra: un nuevo ascenso. Porque verá que mientras él subió en espiral ascendente, siguiendo el movimiento Universal, muchos siguen girando en círculos cerrados, algunos eternamente.
Ver es el primer paso para Reconocer, y Reconocimiento es Liberación.
~Dedicado a JL~.
MAGIA Y ARTE
Artículo 1: Para Qué es el Arte?
La Creación del Artista
¿Con qué es posible recorrer cada tramo de Camino y Avanzar hacia el siguiente?. Con qué es posible fortalecerse, encontrar respuestas donde la mayoría no haya ni la pregunta, y continuar avanzando?.
La Respuesta es con Arte.
Existe desde siempre: Antigua y Actual, Constante; siempre, mientras haya hombre, Habrá Arte. La más vieja y bella de las Artes es la de Magia. Y aunque se haya intentado dividir “Las Artes de la Magia”, en su esencia y aunque muchos no se den por enterados siguen funcionando juntas: para hacer Magia necesitamos Arte, y mediante Arte Sabemos las Leyes de la Magia, y del Universo.
El punto en el que el Artista y Mago se encuentran Es en la Propia Creación. En la Creación del Artista.
Sólo tenemos que recordarnos Para Qué es el Arte, y qué estamos haciendo, cuando hacemos Arte.
Encontremos qué se Dice es el Arte desde Su Etimología y Qué función tuvo en sus tiempo más primigenios, para encontrar entonces Cuál es esa función que desde siempre tiene el Arte.
Un Poco de Historia, es un poco de Adivinación
La palabra Arte proviene de un antiguo vocablo pre helénico: artao, Que significa “aquello que debe ser juntado, unido” o “algo que une”.
Entonces podemos Apostar que el Arte es un Puente, tiene una Función Pontífice. Que Une e Integra… o también separa, como lo hace todo Puente. Qué con Qué une? Qué de Qué separa?
Arnold Hauser, historiador del Arte de origen húngaro en su Libro Historia Social de la Literatura y el Arte, cuando nos habla del Arte del paleolítico subraya y resalta el Puente entre Arte y Magia:
“Todos los indicios aluden a que este arte arte paleolítico de cazadores servía de medio a una técnica Mágica, tenía una función por entero pragmática, dirigida totalmente a lograr inmediatos objetivos”.
La relación entre Arte y Magia era cotidiana.
“Las representaciones plásticas eran una parte del aparejo técnico de esa Magia, eran la trampa en la que el animal tenía que caer, o mejor, era la trampa con el animal capturado ya, pues la pintura era al mismo tiempo la representación y la cosa representada, era el deseo y la satisfacción del deseo a la vez”
“El pintor y cazador del paleolítico pensaba que con la pintura poseía ya la cosa misma, pensaba que con el retrato del objeto había adquirido poder sobre el objeto. Creía que el animal al que convocaba en sus pinturas, y cazaba en sus pinturas, en la realidad sufría esa misma muerte.”
La representación pictórica no era en su pensamiento otra cosa que la anticipación del efecto deseado en la “realidad”; el acontecimiento real tenía que devenir inevitablemente de la mágica simulación. Y mejor todavía: el suceso que esperaban ya estaba contenido en ella, sólo que “separado” de la realidad sólo por el concepto “irreal” del tiempo y el espacio.
Cuando el artista del paleolítico pintaba un animal sobre una roca, pintaba un animal verdadero y lo que hacía suceder con ese animal, sucedía de verdad.
Es consecuencia de la función Mágica del Arte que el pintor lograse en sus representaciones el naturalismo, el detalle, la exactitud, la fidelidad al modelo, porque no se lo estaba imitando, señalando, se los estaba sustituyendo, ocupando el lugar del modelo.
Sentiría una satisfacción estética en su labor, aunque considerase la labor estética como un medio para un fin práctico.
No se reduce a fines estéticos su Producción. Hay varias pruebas que muestran que estos Magos Artistas encontraban el efecto Mágico, más que el estético: figuras humanas disfrazadas de animales, mascaras de animales, animales atravesados por lanzas y flechas. La gran cantidad de estas representaciones fueron halladas en cavernas de difícil acceso, escondidas en rincones inaccesibles y muy oscuros. Eso y La superposición de imágenes en un mismo espacio – aún cuando contaban con mucho lugar donde realizar las representaciones dicen que esas imágenes no tenían fin decorativo, ornamental, o necesidades de comunicación, expresión puramente estéticas, de contemplación. Sino una Función Mágica, y Práctica.
El mundo de la “ficción” de la pintura, la esfera del arte, era para el Artista Mago Pintor algo no diferente, ni separado de la “realidad”. No enfrentaba una con otra, sino que una era la continuación directa e inmediata de la otra.
Reconocemos en Eso la génesis de artao: Arte es lo que une, el pegamento entre el mundo simbólico de sus pensamientos, intenciones, imaginario y real. Y aquello que debe ser Unido:
lo que se pone en el mundo de la imagen, desde la intención de lo qué se quiere alcanzar ahí, se plasma en lo real, en la realidad.
Hoy
Ese mismo Puente es usado para Separar.
La idea de que la esfera del Arte es la continuación directa de la realidad ordinaria y a la inversa también cuenta que la realidad es la continuación de la esfera del Arte no desaparece completamente, aunque sí se lo ha pretendido cuando aparece el predominio de la intención artística como opuesta al mundo de la realidad. Desde allí se rompe la noción de la continuidad de los dos terrenos, y de la causación entre el pensamiento, la plasmación en las imágenes y la resultante de eso en la realidad.
Desde entonces, la separación se eterniza en las universidades y sistemas de educación, donde aprendemos la técnica de repetir lo que vemos afuera, en la realidad, vaciando esa representación del sentido propio. A lo que Creamos se le pone una nota según hayamos copiado mejor o peor el modelo, se está aprobado o no, y es posible reprobemos si la imagen que plasmamos no coincide con la realidad; nos enseñan que en todo caso la respuesta es borrar y corregir.
Es un Discurso que nos dice que lo que está afuera es lo que ordena y dirige el universo interior de cada quien, y que hay que adaptarse a eso, a la realidad. Que plasmar “la realidad como es”, es todo un logro.
Se perdió la perspectiva de que es exactamente al revés: Que eso que surge desde el interior es lo que necesariamente hay que escuchar porque dirige la realidad. Porque eso está ahí desde lo interior creando realidad, diciéndonos lo que hace falta sea atendido, curado, o Amplificado.
La misma historia nos lo muestra: Todo cambio y variación en la estética de las Artes, devino de un cambio interior y anterior de Discurso. No por adaptación a los movimientos de la realidad, sino por una necesidad de cambio de posición respecto a esa realidad.
Gracias a ver esa historia, Adivinamos que hoy sigue siendo así.
La Diferencia que hace el Gran Artista, Maestro o Mago es que no permite que el afuera la realidad le varíe su Creación, que la realidad le diga qué creer, qué es la realidad.
No se ajustaban a su tiempo, y a la realidad, aquellos que hoy son y siguen siendo referentes atemporales en el Arte, aquellos que fueron pioneros aún cuando su mismo tiempo no quería que lo fueran e intentaban por todas las vías callar sus creaciones.
Podemos preguntárselo a Van Gogh, a Seraphine, a Dalí, si mientras Creaban Sus Obras, intentaban responder a la realidad circundante o sólo respondían a su movilización interior, sus angustias, sus necesidades y Deseos. Hay que preguntar al entorno donde vivían si los consideraban genios del arte, o sólo excéntricos, locos, o incomprendidos por atender y respetar ese Universo Interior.
La función del Arte entonces y ahora está enteramente al servicio de la Vida, de lo Particular, de los Deseos y Necesidades de cada uno. Es Para descubrir y develar lo que nos detiene y lo que nos moviliza. Para Reconocer lo que llevamos dentro y que crea realidad y Encontrarnos Sujetos a que siempre estamos Creando y Decidimos Qué Crear.
La manifestación artística son las hojas visibles de un árbol que creció y crece y del cual sus raíces están profundamente enraizadas.
Toda obra de arte destinada a aliviar el peso que gravita sobre el corazón del artista, comparte con el Arte Mágico del paleolítico la tendencia a operar de manera Oculta. El artista del paleolítico estaba interesado únicamente en la Eficacia de la Magia. Su Vida dependía de la Eficacia de Su Magia.
ENTONCES, Es posible Decir que lo que plasmamos en una obra de arte, es lo que plasmamos en la realidad cotidiana. Y toda necesidad que tengamos en la Realidad cotidiana es posible darle combate y trascenderla desde la Función Mágica Transformado y Alquímica del Arte.
También que toda creación hay que recibirla con el respeto, y valor que merece.
Hoy se dió por tierra que el Arte es Para Sanar, Para Reconocernos, Para Liberarnos y Para – lo más importante Crear Realidad. El Arte es un Lugar desde el Cual es posible Crear La Realidad Propia.

Maryela Bianchi.

martes, 1 de mayo de 2012

Oteiza I

Hoy quiero dejaros con unas palabras de Jorge Oteiza acerca de la escultura. Es una entrevista muy interesante que recomiendo escuchar.
Oteiza no deja indiferente al buen amante de la escultura.                                                     



Oteiza abandona la escultura en 1958.